Дэвид Хокни, один из самых влиятельных британских художников XX–XXI веков, умер 11 июня 2026 года в Лондоне в возрасте 88 лет. Не дожив несколько недель до 89-летия, он оставил за собой не просто коллекцию картин, а целую визуальную культуру — культуру, где цвет стал не украшением, а способом мышления.
Для нескольких поколений зрителей Хокни стал не просто автором знаменитых бассейнов и калифорнийских интерьеров, а фигурой, заново определившей, как может выглядеть живопись после поп-арта.
Ранние годы: Брэдфорд и лондонская школа
Дэвид Хокни родился 9 июля 1937 года в Брадфорде (Западный Йоркшир, Англия) в семье Кеннета Хокни и религиозной, строгой матери. Отец был очень эпатажной личностью и заметным местом в жизни Дэвида, поддерживая его художественные стремления и поощряя к самопомощи и политическим интересам.
1. Мистер Хокни в 1965 году. Фото: Пол Поппер / Popperfoto, Getty Images
2. Мистер Хокни с одной из его любимых такс в Лос-Анджелесе в 1988 году.
Фото: Энтони Барбоза / Getty Images
В 16 лет Хокни поступил в Брэдфордскую школу искусств, где начал изучать традиционную живопись и рисовал с натуры вместе с Норманом Стивенсом, Дэвидом Окстоби и Джоном Локером. Среди его преподавателей были Фрэнк Лайл (Frank Lisle), Дерек Стаффорд (Derek Stafford) и Фрэнк Джонсон (Frank Johnson) — художники, связанные с Королевским колледжем искусств. Они считали, что «рисование — это процесс видения и мышления, а не имитации», и студенты учились чувствовать форму.
В 1959 году Хокни продолжил обучение в Королевском колледже искусств (Royal College of Art) в Лондоне. Среди его преподавателей были Роджер де Грей (Roger de Grey) и Кери Ричардс (Kerry Richards) — известные художники. Хокни сравнивал свободу выражения в RCA с консерватизмом обучения в Брэдфорде: «Большинство из нас получило очень традиционные методы обучения до этого момента, и когда мы попали в RCA, мы хотели делать более физические вещи и абстракцию, что приходило из Америки. Ты мог делать абсолютно всё, что хотел. Ты мог даже курить».
Вдохновение и учителя
Пикассо стал одним из его главных вдохновителей и учителей. Хокни познакомился с его работами еще в юности, не раз делал отсылки к работам великого кубиста и открыто боготворил его, хотя встретиться им так и не довелось (Пикассо умер в 1973 году, когда Хокни было почти 40 лет). Фрэнсис Бэкон, старший коллега по цеху, также оказал влияние на ранние работы Хокни, который отражал настроение конца 1950-х — начала 1960-х: абстракция, надписи на холсте, экспрессионизм в духе Бэкона.
Дэвид Хокни и Энди Уорхол. 1970-е гг. Фото: Getty Images
Уильям Хогарт, старый мастер, стал важнейшим источником вдохновения — упоминавшаяся серия «Похождения повесы» по Хогарту, увлечение Ван Эйком, вариация на Клода Лоррена и «Адам и Ева» — переработка «Изгнания из рая» Мазаччо. Энди Уорхол и американская поп-арт-сцена также повлияли на Хокни: в 1961 году он поехал в Нью-Йорк, где познакомился с Уорхолом и погрузился в атмосферу порока и сексуальной невоздержанности, чем славился город в тот период.
Раннее творчество
Ранние работы Хокни отражают настроение конца 1950-х — начала 1960-х: абстракция, надписи на холсте, экспрессионизм в духе Бэкона. Уже как студент Хокни проявил себя как художник с редкой свободой формы: ранние работы соединяли графическую остроту, иронию и личную интонацию. После одной из первых выставок Дэвида Хокни сразу назвали основателем британского поп-арта. В этот период он вошел в орбиту британского поп-арта, но очень быстро вышел за его рамки.
В 1963 году Хокни окончил RCA и сразу начал работать профессионально. Его первая крупная выставка прошла в Whitechapel Gallery в Лондоне в 1964 году, где он представил серию работ, включая «Король Убу» и «Американские коллекционеры». Его искусство с самого начала было не только про массовую культуру, но и про то, как изображение вообще устроено: где заканчивается наблюдение и начинается интерпретация. В этом смысле Хокни стал художником не одной темы, а одного большого вопроса — как мы видим мир.
Калифорнийский миф: свет, вода, фигуры
1964 год стал поворотным моментом в карьере Хокни — он переехал из Лондона в Лос-Анджелес, где начался «калифорнийский период» его творчества. Хокни воспринимал США как землю обетованную, где всегда солнечно и свободно. Бассейны как раз стали для него этим символом приобретенной свободы, роскошью, недоступной подавляющему большинству людей.
Дэвид Хокни со своим партнёром Питером Шлезингером в фильме
Джека Хазана «Большой всплеск», 1973 год. Фото: Коллекция Кристофеля / Alamy.
Повторные поездки в Калифорнию изменили и палитру, и тематику его работ. Яркое небо, модернистские дома и бирюзовые бассейны стали постоянными мотивами, которые позже будут ассоциироваться с самыми узнаваемыми образами в современном искусстве. Именно эти сюжеты закрепили за Хокни статус художника, чья визуальная система строилась на свете, цвете и точном наблюдении за пространством.
Особенно заметно это в его работах калифорнийского периода, которые выглядят очень фотореалистично. Произведения вроде A Bigger Splash и Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) утвердили Хокни как фигуру международного масштаба. Хокни прославился в 1960-х, представив серию картин в стиле поп-арт, посвященную калифорнийским бассейнам.
Самые известные работы калифорнийского периода по годам
1966 — «Загорающий» (Nude by the Pool / Nudist). Обнаженный мужчина, отдыхающий на газоне рядом с бассейном, в духе калифорнийской свободы и лени. Работа из серии обнаженных фигур.
1967 — «Большой всплеск» (A Bigger Splash). Одна из самых знаковых картин Хокни, написанная в калифорнийский период. На полотне изображен всплеск воды в бассейне сразу после прыжка ныряльщика. В 1981 году это полотно приобрела Британская галерея Тейт.
«Большой всплеск» (A Bigger Splash) Хокни (1967). Фото: Дэвид Хокни.
1968 — «Американские коллекционеры» (American Collectors). Полотно, посвященное теме богатых американцев и их увлечению коллекционированием. Работа стала частью его серии о культуре богатых калифорнийцев.
1968 — «Кристофер и Дон» (Christopher Isherwood and Don Bachardy). Двойной портрет, запечатлевший интимные отношения двух друзей Хокни. Одна из ключевых работ в серии парных портретов.
«Кристофер и Дон» (1968). Фото: студия Дэвида Хокни.
1970–1971 — «Мистер и миссис Кларк и Перси» (Mr and Mrs Clark and Percy). Двойной портрет двух друзей Хокни и их собаки Перси. Это полотно считается одним из величайших шедевров современной эпохи.
1971 — «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» (Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)). Кульминация калифорнийского периода. В 2018 году эта картина ушла с молотка за рекордные $90,3 млн, сделав Хокни самым дорогим из ныне живущих художников.
«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» 1972 г.
Художественная галерея Нового Южного Уэльса.
1972 — «Панамская шляпа» (Panama Hat). Работа, где Хокни продолжает исследовать тему солнца и света.
1969 — «Тюльпаны» (Tulips). Работа, в которой Хокни обращается к теме природы и цветов.
Калифорнийские работы Хокни сделали его знаменитым на весь мир. Живя в Калифорнии более 30 лет, Дэвид Хокни создал визуальный язык, который стал символом эпохи. Эти картины райской калифорнийской жизни продумали его знаменитым на весь мир.
Портрет, пейзаж и технология
Хокни работал не только как живописец, но и как график, фотограф, печатник, сценограф и исследователь визуального восприятия. Он прославился своими фотографическими коллажами, в которых разбирал пространство на фрагменты и собирал его заново, словно споря с привычкой фотографии претендовать на объективность. Позже он увлекся цифровыми технологиями и продолжал экспериментировать с новыми средствами до последних лет жизни.
В позднем творчестве Хокни все чаще возвращался к пейзажу — прежде всего к Йоркширу и североанглийскому ландшафту. Эти работы важны тем, что в них он сводил весь свой опыт к нескольким элементам: дорога, дерево, небо, время суток и меняющийся свет. Его пейзаж перестает быть просто «видом» и становится способом описать течение времени.
Театр и опера: живопись как действие
Отдельная линия карьеры Хокни — сценография. Для него театр был не приложением к живописи, а еще одним способом строить пространство, свет и взгляд. Его сценические работы ценят за то, что сохраняют узнаваемую хокниевскую ясность: композиция всегда читается, но не закрывается в одну плоскость. Он мыслил изображение в разных средах и каждый раз возвращался к одному и тому же вопросу: как заставить зрителя увидеть сцену, а не только картинку. Это делает его фигурой не только живописной, но и междисциплинарной.
Эскизы декораций и костюмов Хокни для оперы Стравинского «Похождения повесы», изначально созданные
для фестиваля в Глайндборне (Англия), попали в Нью‑Йоркскую оперу в 1984 году. Фото: Марта Суоп
1975 год стал поворотным моментом: Хокни получил заказ на декорации и костюмы для оперы Игоря Стравинского «Похождения повесы» (The Rake’s Progress) на фестивале в Глайндборне. Успех его серии из 16 офортов «Похождения повесы в Нью-Йорке», созданной в 24 года, обеспечил ему этот заказ. Хокни работал в духе, стилизируя (но не имитируя) XVIII век и хогартовский язык — в той же степени, в какой их воспроизводят музыка и текст оперы. Приём штриховки декораций создавал иллюзию «гравировки» в трёх измерениях. Эта работа стала первым театральным опытом художника и до сих пор считается лучшим сценическим воплощением «Похождений повесы».
Через три года, в 1978, Хокни взялся за работу над «Волшебной флейтой» (Die Zauberflöte) Моцарта в постановке Джона Кокса. Для этой постановки художник нарисовал 35 фонов, вдохновленных поездкой в Египет. В дизайне Королева Ночи была одета в платье из темно-синей ткани, украшенное серебристыми камнями, которые блестели на сцене. Хокни добавил к классической постановке современные и магические элементы, характерные для его стиля.
Сценография и костюмы Хокни к опере Пуччини «Турандот» для Оперного театра в Чикаго, 1992.
Фото: www. hockney.com
Одна из самых известных постановок — «Турандот» (Turandot) Пуччини, где Хокни создавал театральные декорации. Эта работа укрепила его репутацию как оперного сценографа. В 1992 году Хокни оформил оперу Рихарда Штрауса «Женщина без тени» (Die Frau ohne Schatten) в Королевском оперном театре Ковент-Гарден в Лондоне. Эта работа стала важным этапом в его сценической карьере.
Хокни неоднократно сотрудничал с Нью-Йоркской Метрополитен-Опера, оформляя оперы Стравинского и произведения Мориса Равеля. Его работы для Метрополитен стали частью его международного признания как сценографа. Кульминацией сценической карьеры Хокни стал занавес Wien Musik, созданный в 2012 году для Венской государственной оперы. 75-летний художник создал эскиз занавеса площадью 176 кв. м с помощью планшета iPad — как и многие его последние работы. Хокни стал пятнадцатым современным художником, автором занавеса для Венской оперы, что подтвердил его статус как одного из величайших сценографов современности.
Дэвид Хокни работает над одной из картин серии «Вудгейт‑Вудс» в Восточном Йоркшире в 2006 году.
Фото: Жан‑Пьер Гонсалвес / Тейт Британия / PA.
Почему он стал классиком
Tate описывает Хокни как одного из самых влиятельных британских художников XX и XXI веков и подчеркивает его уникальную популярность. Это редкий случай, когда художник одновременно остается любимцем широкой публики и обязательным именем для профессиональной истории искусства. Причина — Хокни говорил о сложных вещах простым визуальным языком: о видении, памяти, удовольствии, одиночестве и связи человека с пространством.
Он умел соединять интеллектуальную игру с чувственностью изображения. В его работах есть и ирония модернизма, и радость цвета, и дисциплина рисунка, и почти физическое удовольствие от поверхности. Поэтому его искусство переживает смену художественных мод — оно не зависит от моды, потому что само во многом ее создало.
Аукционные рекорды
Самая громкая продажа Хокни — картина Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), проданная на Christie’s в Нью-Йорке в ноябре 2018 года за $90,3 млн. Эта сделка сделала Хокни самым дорогим ныне живущим художником своего времени и мгновенно вывела его в центр мировой новостной повестки. Christie’s подчеркивал, что работа стала одной из самых узнаваемых картин XX века и вошла в число самых дорогих произведений ныне живущих авторов, когда-либо проданных на аукционе. Продавцом выступал крупный коллекционер, а результат стал символом нового уровня рынка послевоенного искусства.
В 2012 году мистер Хокни принял Орден Заслуг за достижения в области искусств
из рук королевы Елизаветы II. Фото: Стив Парсонс.
Сам Хокни к этому моменту уже воспринимался не как «живой классик», а как художник музейного ранга, чьи работы определяют канон. Эта продажа не просто обновила цифры рынка — она установила символический статус: рынок признал Хокни художником музейного масштаба, сопоставимым с крупнейшими именами послевоенного искусства.
Смерть Хокни не завершает его биографию, а переводит ее в другую фазу — фазу посмертной оценки. Его искусство уже встроено в музейную, выставочную и рыночную систему, а значит, ближайшие годы наверняка принесут новые ретроспективы, переиздания и большие кураторские пересборки его наследия.
Источники:
theguardiane
nytimes
christies.com
Подписывайтесь на наш телеграм канал и сообщество в VK
