Сделали для вас подборку наиболее признанных оперных режиссеров, постановки которых должен знать каждый уважающий себя опероман. Дополнительно включили ссылки на видео оперных постановок наших героев, которые можно будет отдельно посмотреть.
Итак знакомимся, лучшие оперные режиссеры нашей современности: Франко Дзеффирелли, Патрис Шеро, Роберт Уилсон, Питер Селларс, Ромео Кастеллуччи, Клаус Гут, Кэти Митчел, Кшиштоф Варликовский, Барри Коски, Дмитрий Черняков и Дамиано Микьелетто. 

Франко Дзеффирелли (1923 – 2019 гг.)

Легенда мирового кино, оперы и театра, режиссер, сценарист, продюсер и – главное – художник Франко Дзеффирелли прожил большую жизнь, 96 лет, и успел очень многое (18 фильмов, более 20 спектаклей и опер). Учился будущий режиссер во флорентийской Академии изящных искусств, потом еще изучал архитектуру в университете. Опять же флорентийском: он всегда с удовольствием подчеркивал свое землячество с титанами Ренессанса.

Так сложилось, что в поисках заработка Дзеффирелли-студент устроился после войны ассистентом художника в Театр делла Пергола — а там уж подвернулась судьбоносная встреча с Лукино Висконти, с которой все и началось: в 1949-м в римском театре «Элизео» вышел «Трамвай “Желание”» в постановке Висконти с декорациями Дзеффирелли.

«Художником при режиссере» Дзеффирелли был с тех пор едва ли раза три. В его зрелых, самых знаменитых спектаклях — оперных и драматических — он, как правило, все придумывал сам: и режиссуру, и декорации, часто еще и костюмы. И обронил как-то, что в опере и вообще в театре постановочная часть, мол, «родная дочь архитектуры». Дзеффирелли умел быть не просто настойчивым, но и безжалостным. Рослую Джоан Сазерленд он заставлял ходить на полусогнутых, чтобы она была больше похожа на маленькую и хрупкую ламмермурскую невесту из оперы Доницетти. Во время съемок «Травиаты» Тереза Стратас мучила его перепадами настроения, ревновала к покойной Каллас и швыряла ему в лицо платье, придуманное для Виолетты,— но режиссер победил. На оперной сцене от него ждали размаха, великолепия, блеска — и не обманывались. Это всегда было как-то обезоруживающе зрелищно, даже если он ставил на крохотной сцене театрика в Буссето, родном городе Верди. Хотя особенно комфортно, конечно, дзеффиреллиевским спектаклям было на сценических просторах театров калибра Metropolitan.

Если и существует самая знаковая для Франко Дзеффирелли опера, то это однозначно «Богема» Пуччини. Его постановка 1963 года до сих пор стоит в репертуаре Венской оперы, неприкосновенным остается и спектакль 1981 года в Метрополитен-опера. Дзеффирелли несколько раз ставил «Травиату» на оперных сценах: в Далласе (1958), в Милане (1964) и в Нью-Йорке (1979). Впрочем, именно о фильме он мечтал с 1950-го, желая снять в роли Виолетты Марию Каллас, блиставшую в его постановках 1958 и 1964 годов. Но в фильме главная роль досталась канадской оперной певице греческого происхождения Терезе Стратас, а в роли Альфреда вступил испанский тенор Пласидо Доминго.

Дзеффирелли с удовольствием занимался живописью, его выставки с успехом шли в разных странах. Одной из самых крупных стала в 2004 году выставка в Москве, где, помимо картин, были представлены эскизы и макеты маэстро к спектаклям и кинофильмам. В последние годы жизнь Дзеффирелли вообще оказалась плотно связана с Россией. Так, в 2003 году в Большом театре прошли гастроли его постановки «Травиаты», а в 2005-м на сцене столичного Театра оперетты режиссер лично представил российской публике свою версию «Аиды» Верди. В 2007 году он привез в российскую столицу «Паяцев» Леонкавалло, а в 2008-м презентовал в Москве русскоязычный перевод своей автобиографии.

“Травиата” фильм – опера 1982г.

Патрис Шеро (1944 – 2013 гг.)

Патрис Шеро родился в 1944 году в Лезинье, небольшом городе на западе Франции. Будущий реформатор оперной сцены прославился среди парижской публики, еще когда был студентом Сорбонны. В 19 лет он поставил на любительской сцене пьесу Виктора Гюго «Вмешательство» («L’Intervention»), а после успеха постановки решил оставить учебу и посвятить себя театру. Впрочем, отдать свой талант чему-то одному французский мастер не сумел до самого конца жизни. Он занимался драматическим театром, оперой, ставил спектакли и сам играл на сцене, снимал кино, снимался в чужих фильмах и оценивал работу режиссеров в качестве председателя жюри Каннского кинофестиваля, писал сценарии и даже входил в состав приглашенных кураторов Лувра. 

В 1976 году в Байройте случилась революция, в ходе которой был разрушен старый шаблон постановок Вагнера. Покуситься на него посмел французский режиссер, за плечами которого было всего две оперные постановки. В то время как в драматическом театре к семидесятым годам XX века режиссер давно стал главенствующей фигурой, в опере ему все еще отводилась номинальная функция. Именно поэтому «Кольцо нибелунга», в котором действие происходит в середине XIX века, во времена Вагнера, вызвало резкие и неоднозначные реакции публики.

Тетралогия Шеро, которая по прошествии времени была признана оперной классикой, в семидесятых расколола публику и критиков на два лагеря: тех, кто был до глубины души возмущен интерпретацией французского режиссера, и тех, кто немедленно признал в нем гения. Впрочем, второй лагерь довольно скоро победил с большим численным преимуществом: на последнем показе «Кольца» в Байройте в 1980 году зал устроил артистам и режиссеру 45-минутную овацию. Запись «Кольца нибелунга» была выпущена на DVD и по сей день является одним из самых популярных театральных видео в мире. Шеро – не авангардист в прямом смысле слова, его постановки, как правило, заключены в строгие классические формы, ценят внятность повествования и тщательную психологическую проработку характеров. 

В семидесятые годы Шеро встал во главе одного из главных театров Франции — Национального народного театра. Он ставил драматические спектакли в Италии и Германии, работал над оперными постановками во французских театрах, в том числе над «Сказками Гофмана» Оффенбаха в Парижской опере. Большинство работ в опере Шеро поставил в сотрудничестве с известным дирижером Даниэлем Баренбоймом. В 2008 году вышла написанная ими в соавторстве книга «Диалоги о музыке и театре. Тристан и Изольда» («Dialoghi su musica e teatro. Tristano e Isotta»).

Уникальность Шеро и в равном внимании к драматическим и оперным постановкам; только в его послужном списке «Гамлет», «Пер Гюнт», «Платонов» и, скажем, «Квартет» по Хайнеру Мюллеру соседствуют с «Воццеком», «Сказками Гоффмана» и тетралогией «Кольцо нибелунгов». Оперным постановкам, чей бюджет, как правило, превосходит драматические в десятки и сотни раз, больше везет с записью на видео.

Патрис Шеро не переставал работать до самой смерти, однако никогда не искал работу намеренно. В разговоре с The Guardian в 2011 году режиссер рассказывал, что в свободное время он просто гуляет по улицам, читает книги, ходит в кино. «Когда ты ждешь, что должна прийти идея, ничего не происходит. Это работает так же, как в любви. Ты никогда не встретишь нужного человека, если непрестанно и отчаянно будешь кого-то искать. Но как только ты скажешь себе, что тебе никто не нужен, тут же кто-то непременно найдется».

“Электра” Штрауса, 2013 г. на фестивале в Экс-ан-Провансе

Роберт Уилсон (род. 1941г.)

Родившийся в Уэйко, штат Техас, Уилсон является одним из выдающихся мировых театральных и визуальных художников. В его сценической работе необычным образом объединяются различные художественные медиа: танец, движение, свет, скульптура, музыка и текст.

Создаваемые Уилсоном образы потрясают чувственное восприятие и невероятно заряжены эмоционально, а его постановки заслужили признание публики и критиков по всему миру.

Его произведения, часто демонстрирующие здоровое чувство юмора и оптимизм, характеризуются самим автором как «попытка сломать условные ассоциации, чтобы посмотреть на мир новым способом, когда множество моделей распознаются как модели (карты) и ни одна из моделей не преподносится как Правда».

Его первым триумфом (после разве что спектакля Deafman Glance) была постановка оперы Филипа Гласса «Эйнштейн на пляже» в 1976 году. А потом были «Парсифаль», «Лоэнгрин» и «Кольцо нибелунга» Вагнера, «Аида» Верди, «Орфей» Монтеверди, культовая постановка «Мадам Баттерфляй» и многое другое. Оперы Уилсона в целом холоднее и медленнее, чем его спектакли. У него есть особая методика работы с солистами, визуализация музыки. Так, например, в некоторых постановках он разводит двух людей по краям сцены в тех самых местах, где они должны, наоборот, чуть ли не обниматься, он не дает им коснуться друг друга, тем самым создавая максимальное напряжение между ними. Тот же самый «Эйнштейн» 1976 года, который постоянно возобновляется в разных театрах, по меткому замечанию театроведа Марины Давыдовой, в 2014 году выглядит современнее, чем многое из того, что ставится сейчас.

“Эйнштейн на пляже”, 2014, Théâtre du Châtelet

Питер Селларс (род. 1957г.)

Широко известный театральный и оперный режиссер Питер Селларс представляет одно из наиболее новаторских и влиятельных направлений в театральном искусстве США и Европы. Питер Селларс получил признание благодаря своим необычным интерпретациям классики: обращаясь к произведениям Моцарта, Генделя, Шекспира, Софокла или китайского драматурга XVI века Танга Хианцу, Питер Селларс находит мгновенный контакт с публикой, придавая классическим сюжетам новое звучание и обогащая их современной социальной и политической проблематикой.

Вдохновленный творчеством композиторов Кайи Саариахо, Освальдо Голийова и Тана Дуна, Питер Селларс принимал активное участие в создании их работ, которые значительно расширили современный оперный репертуар. Также Питер Селларс был движущей силой в создании многих композиций Джона Адамса, с которым он сотрудничал в течение многих лет.
Питер Селларс является руководителем многих международных фестивалей, и в частности, – моцартовского фестиваля New Crowned Hope (Вена), для участия в котором он пригласил многих известных деятелей искусства.
В настоящее время Питер Селларс является профессором кафедры мирового искусства и культуры Университета Калифорнии и членом дирекции кинофестиваля в Теллуриде.

“Теодора” Генделя, 1996г, Glyndebourne Festival

Ромео Кастеллуччи (род. 1960г.)

Учился оформительскому искусству и живописи в Университете изящных искусств в Болонье. В 1981 — вместе с сестрой Клаудией Кастеллуччи и женой, драматургом Кьярой Гуиди — основал театральную компанию Socìetas Raffaello Sanzio.Руководил театральной секцией Венецианской бьеннале (2005). Ассоциированный артист (artiste associé) Авиньонского фестиваля 2008.
C двух постановок в брюссельском театре Ла Монне («Парсифаль», 2011; «Орфей и Эвридика», 2014) начинается интенсивное сотрудничество Кастеллуччи с оперными театрами и фестивалями — Парижа, Мюнхена, Гамбурга, Зальцбурга, Лиона, Лилля, Базеля, Экс-ан-Прованса, Перми. Режиссёр ставит оперы Рихарда Вагнера, Вольфганга Амадея Моцарта, Алессандро Скарлатти, Арнольда Шёнберга, Рихарда Штрауса, кантатно-ораториальные опусы Иоганна Себастьяна Баха, Моцарта, Артюра Онеггера, Ханса Вернера Хенце. В 2018 году его постановки идут на Зальбургском («Саломея») и Дягилевском («Жанна на костре») фестивалях, в 2019 году — на Экс-ан-Прованском фестивале (Реквием Моцарта).
Режиссёр отстаивает принцип синтеза искусств в перформативном театральном действе, центром которого выступает тело актёра (возвращение тела). Большое место в театре Кастеллуччи занимает импровизация: спектакль Tragedia Endogonidia менялся в каждом из 10 городов Европы, в которых труппа его играла.
В некоторых спектаклях режиссёр стирает грань между игровым и документальным. Так, в постановке «Орфея и Эвридики» Глюка в театре Ла Монне участвовала парализованная девушка, слушавшая трансляцию в больничной палате в режиме реального времени. В постановке «Волшебной флейты» Моцарта в том же театре участвовали слепые женщины и мужчины, перенесшие ожоговые травмы.

“Золото Рейна”, Вагнер, театр Ла Монне, 2023г.

Клаус Гут (род. 1964г.)

Один из самых востребованных режиссеров своего поколения, Клаус Гут родился во Франкфурте. По окончании университета имени Людвига-Максимилиана и Высшей школы музыки в Мюнхене поставил ряд спектаклей в Мюнхене, Мангейме и Гамбурге, которые сразу привлекли внимание за рубежом. Первая постановка на Зальцбургском фестивале в 1999 – «Хроника места» Л. Берио – принесла ему международную известность. В следующем году Клаус Гут вернулся со спектаклем «Ифигения в Тавриде» К.В. Глюка, и с тех пор стал частым гостем в Зальцбурге; созданные для фестиваля постановки «Заиды» В.А. Моцарта и его же оперной трилогии на либретто Лоренцо Да Понте («Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Так поступают все женщины») получили наибольший резонанс и впоследствии были перенесены на сцены многих оперных домов Европы и Америки.

Клаус Гут также поставил оперы «Луиза Миллер» Дж. Верди в Баварской государственной опере в Мюнхене, «Летучий голландец» Р. Вагнера на Байройтском фестивале (2003), в качестве постоянного приглашенного режиссера Цюрихской оперы создал спектакли «Фьеррабрас» Ф. Шуберта, «Парсифаль» Р. Вагнера и др.

Сотрудничал с Франкфуртской оперой, на сцене которой поставил «Пеллеаса и Мелизанду» К. Дебюсси, «Дафну» и «Кавалера роз» Р. Штрауса; в Театре ан дер Вин выпустил трилогию К. Монтеверди («Орфей», «Возвращение Улисса», «Коронация Поппеи») и сценические версии ораторий «Мессия» Г.Ф. Генделя и «Лазарь, или Торжество воскресения» Ф. Шуберта.

Особенное признание получили его постановки опер Вагнера, среди них – «Лоэнгрин» на сцене театра Ла Скала в Милане, «Тангейзер» в Венской государственной опере, «Тристан и Изольда» в Цюрихской опере и тетралогия «Кольцо нибелунга», осуществленная в Гамбургской государственной опере.

Клаус Гут известен своими режиссерскими работами в современном музыкальном театре и является автором ряда мировых оперных премьер – «Внутри… в глубине» («Pnima…Ins Innere») Хайи Черновин (Мюнхенская биеннале, 2000), «Целан» Петера Ружички (Дрезденская опера Земпера, 2001), «Пепел луны, или Королева фей» («AscheMOND oder The Fiary Queen») Хельмута Эринга/ Генри Пёрселла (Берлинская государственная опера, 2013). Среди последующих работ – «Женщина без тени» Р. Штрауса, копродукция театра Ла Скала и Королевской оперы Ковент-Гарден (2014).

В ноябре 2019 Клаус Гут выпустил мировую премьеру оперы Хаи Черновин «Камера сердца» в Немецкой опере, Берлин. В декабре 2020 театр Реал в Мадриде возобновляет его постановку «Дон Жуана» В.А. Моцарта.

“Мессия”, Генделя, 2009г, Театр ан дер Вин

Кэти Митчел (род. 1964г.)

Кэти Митчелл — известная британская режиссер и одна из тех, кто реформировал театральный язык последних двадцати лет. Свою карьеру она начала, получив классическое образование в Колледже Марии Магдалины Оксфордского университета. Кэти Митчел на тот момент ставит классические пьесы, но уже к середине девяностых начинает радикально менять свой дальнейший режиссерский план постановок.
В конце восьмидесятых Митчелл знакомится с работами советских мастеров — Льва Додина и Эйументаса Некрошюса, ранее почти неизвестных мировому зрителю, и активно применяет их инструменты в своей работе.
Настоящий прорыв Митчелл совершает в конце девяностых, становясь одним из первых режиссеров, работающих с материалом «новой драмы» Великобритании — брутальными новаторскими пьесами молодых драматургов поколения. Митчелл не боится рисковать и все чаще подходит к работе, используя методы науки, в частности психиатрии и нейробиологии. Позже она посвятит связи этих наук и практик искусства целый образовательный курс в Национальном театре.
Следующий революционный прорыв режиссера случается в нулевые и станет очевиден в спектакле «Волны» по роману Вирджинии Вулф. Кэти Митчелл актуализирует для себя теорию феминизма второй волны и теорию постструктуралистов, нарушает субъектность мужского и объектность женского взгляда, используя синтез кино и театра, создавая так называемое «живое кино».
Мы знаем Кэти Митчелл как новатора и визионера, но она никогда бы не изобрела свой уникальный язык и не реформировала мировой театр без упрямого поиска новизны и совершенствования инструментария.

За свою тридцатилетнюю карьеру Митчелл поставила более 100 спектаклей – более 70 театральных постановок и почти 30 опер. В настоящее время она является профессором театрального режиссуры в Ройал Холлоуэй, Лондонском университете, где преподает со степенью магистра режиссуры.

“Юдифь/Замок герцога Синяя Борода”, опера Б. Бартока, 2020г, Баварская опера

Кшиштоф Варликовский (род. 1962г.)

Кшиштоф Варликовский — один из самых интересных польских театральных и оперных режиссеров. Визионер, эрудит, автор нашумевших провокационных постановок. Художественный руководитель варшавского Нового театра.

Родился 26 мая 1962 года в Щецине. Работает в Польше, но много ставит также за рубежом: во Франции, Германии, Голландии и Израиле. Его спектакли демонстрируются на важнейших мировых театральных фестивалях в Авиньоне, Нью-Йорке (Next Wave Festival), Монреале (Festival TransAmériques), Москве («Золотая маска»).

Изучал историю, романскую филологию и философию в Ягеллонском университете в Кракове. В 1983 году уехал из Польши, жил главным образом в Париже, где слушал курс по истории античного театра в Практической школе высших исследований, изучал философию, французскую литературу и иностранные языки в Сорбонне. В 1989 году вернулся в Польшу и поступил на факультет режиссуры драмы Государственной высшей театральной школы в Кракове. Учился у Кристиана Люпы. Варликовский лично познакомился с Питером Бруком, Ингмаром Бергманом и Джорджо Стрелером, участвовал в их мастер-классах.

Варликовский дебютировал в опере камерным одноактным спектаклем «Музыкальный курс Роксанны Пануфник» (совместно с BOC Covent Garden Festival в Лондоне и Большим театром — Национальной оперой в Варшаве) в 2000 году. В Большом Театре — Национальной опере он поставил «Дона Карлоса»Джузеппе Верди (2000), «Невежу и психопата» Павла Микетина (2001), «Татуированные языки»Мартина Паддинга (совместно с Stichting Geest Gronden CC), «Убю-короля» Кшиштофа Пендерецкого (2003) и «Воццека» Альбана Берга (2006). В Париже Варликовский перенес на сцену «Ифигению в Тавриде» Кристофа Виллибальда Глюка (2006) и «Средство Макропулоса» Леоша Яначека (2007). В Баварской Государственной опере поставил «Евгения Онегина» Петра Чайковского (2007, Мюнхен). Позже работал в парижской Опере Бастилии над «Парсифалем» Рихарда Вагнера (2008). Создал спорный современный спектакль о любви, смерти и зрелости, дополненный фрагментом фильма «Германия, год нулевой» Роберто Росселлини.

“Сказки Гофмана”, Ж. Оффенбаха, 2020г., Брюссельский театр “Ля Моннэ”

Барри Коски (род. 1967г.)

Уроженец Австралии Барри Коски – один из самых ярких и талантливых режиссеров своего поколения. Коски ставит драматические, оперные и современные музыкальные спектакли.
С 1990 по 1998 он – художественный руководитель «Гилгул Тиэтр», в 1996 был художественным руководителем очень успешно прошедшего Фестиваля в Аделаиде.
Барри Коски дебютировал в Европе как оперный режиссер в «Комише Опер» в Берлине спектаклем «Великие похороны» Лигети. Затем последовали «Орфей» Монтеверди (2003, Фестиваль в Инсбруке), «Свадьба Фигаро» (2005, «Комише опер») и «Лоэнгрин» в Венской «Штаатсопер».
В 2001-2005 был одним из художественных руководителей Венского Театра Шаушпильхауз.
Коски много и успешно работает в крупнейших театрах Европы. Только за последние годы осуществил постановки опер «Летучий голландец» в Эссене, «Сон в летнюю ночь» в Бремене, «Великие похороны» в Граце и «Тристан и Изольда» в Эссене.
Несколько месяцев, которые Коски в 2006 году провел в Сиднее, он работал над постановкой спектакля «Потерянное эхо» на основе «Метаморфоз» Овидия. Здесь Коски выступил как автор текста, режиссер и художник-постановщик.
Поставленная на сцене Венской Оперы «Коронация Попеи» (“The Coronation of Poppea”) была представлена на Эдинбургском фестивале в 2007 году, а опера «Болтун» – на Фестивале в Мельбурне в октябре того же года.
В 2007-2008, работая в Европе, Коски осуществил постановки опер «Орфей» на сцене Берлинской Государственной оперы, «Ифигения в Тавриде» и «Целуй меня, Кэт» в Берлинской «Комише Опер», «Питер Граймс» в Оперном театре Ганновера», «Махагони» в Эссене.
Барри Коски ставил спектакли на сценах всех крупных оперных и драматических театров Австралии, включая такие постановки, как «Войцек», «Летучий голландец», «Набукко», «Голлем», «Эдип», «Траур – участь Электры», «Король Лир», «Фауст».
Коски удостоен театральных премий Сиднея, в том числе в номинации «лучший режиссер», «лучший новый спектакль», Премии Хелпмана «за лучшую постановку».

Интервью Барри Коски в программе Энигма

Дмитрий Черняков (род. 1970г.)

Дмитрий Черняков – режиссер оперных и драматических спектаклей. Родился в Москве в 1970 году. К нынешней профессии пришёл не сразу. Некоторое время молодой человек учился в архитектурном институте, а уже потом поступил в ГИТИС.

Поначалу творчество Чернякова никак не соотносилось с оперным жанром. Дмитрию казалось, что драматический театр даёт режиссёру больше возможностей. Ведь там актёры не связаны с вокалом. Окончив ГИТИС, молодой человек устроился на работу в Русский драматический театр, находящийся в Вильнюсе. Но всё изменилось в 1998 году, когда Дмитрий поставил свой дебютный оперный спектакль в Новосибирске. Это была мировая премьера по мотивам произведения «Молодой Давид» В. Кобекина. Постановка стала весьма важным культурным событием.

Почти для всех собственных спектаклей Дмитрий Черняков сам разрабатывает сценографию и костюмы. А его интерпретации классических шедевров оперы всегда вызывают у публики неподдельное изумление. Причём режиссёрская свобода действий просматривается не только в спектакле как таковом, но даже в истории. Например, у многих зрителей вызвала когнитивный диссонанс опера «Жизнь за царя», премьера которой прошла в 

Мариинском театре. Антураж и костюмы привязывали её действие к двадцатому веку. А это вступало в полное противоречие с польской музыкальной характеристикой лагеря врага. Дмитрий Черняков очень часто переносит действия шедевров классики в современность. Это один из его любимых приёмов. Так он поступил с «Тристаном и Изольдой» и «Аидой», в которой не осталось даже намёка на Древний Египет. Отдельно стоит отметить «Катерину Измайлову», поставленную Черняковым в немецком Дуйсбурге. Дмитрий заменил купеческий дом современным офисом, а спальню главной героини выполнил в азиатском стиле. Финал спектакля тоже оказался неожиданным.

Новаторство режиссёра часто шокирует публику, создавая довольно странные ситуации. Например, после выхода в Баварской опере «Диалогов кармелиток» Ф. Пуленка, наследники композитора потребовали снять спектакль с репертуара. А в 2006 году Галину Вишневскую настолько возмутила постановка в Большом театре «Евгения Онегина», что она отказалась отмечать там свой 80-летний юбилей. От происходящего на сцене оперную певицу охватило отчаяние.

Также при открытии исторической сцены после масштабной реконструкции Большого театра его постановка «Руслан и Людмила» вызвала бурную реакцию публики.

Подборка оперных постановок Дмитрия Чернякова

Дамиано Микьелетто (род. 1975г.)

Изучал оперную и театральную режиссуру в Школе драматического искусства Паоло Грасси в Милане, современную литературу — в Венецианском университете Ка’ Фоскари. В 2003 за постановку оперы «Шванда-волынщик» Я. Вайнбергера на Уэксфордском фестивале награжден престижной ирландской Театральной премией «Irish Times».

В 2012 дебютировал на Зальцбургском фестивале спектаклем «Богема» Дж. Пуччини, позже поставил «Фальстафа» Дж. Верди (2013) и «Золушку» Дж. Россини (2014). В сезоне 2014/15 руководил постановками опер «Путешествие в Реймс» (Нидерландская опера в Амстердаме) и «Вильгельм Телль» Дж. Россини (Королевская опера Ковент-Гарден, Лондон). Возобновил спектакли «Севильский цирюльник» (Парижская опера) и «Так поступают все женщины» (театр Лисео в Барселоне).

Среди работ сезона 2015/16: «Волшебная флейта» В.А. Моцарта (Ла Фениче), «Сельская честь»/ «Паяцы» (Ковент-Гарден, отмечена премией Лоуренса Оливье), «Отелло» Дж. Россини (Вена), «Дева озера» Дж. Россини (Оперный фестиваль в Пезаро), возобновление триптиха Дж. Пуччини на сцене Римской оперы. В берлинской Комише опер дебютировал постановкой «Золушки» Ж. Массне. Осенью 2016 постановил спектакли «Самсон и Далила» К. Сен-Санса в Парижской опере и «Аквагранда» Ф. Перокко в венецианском театре Ла Фениче (награжден премией Франко Аббьяти, 2017).

В 2017 сотрудничал с театром Ла Скала («Фальстаф») и Королевской оперой Копенгагена («Путешествия в Реймс»). Во Флоренции поставил оперы Моцарта — «Волшебная флейта» и «Идоменей» (для фестиваля «Флорентийский музыкальный май»), в Нидерландской национальной опере Амстердама — «Риголетто» Дж. Верди. Его спектакль «Осуждение Фауста» Г. Берлиоза, показанный на открытии сезона в Римской опере, был отмечен премией Франко Аббьяти. Постановки 2018 — «Веселая вдова» Ф. Легара и «Макбет» Дж. Верди (театр Ла Фениче), «Сон в летнюю ночь» Б. Бриттена (Театр ан дер Вин), «Дон Паскуале» Г. Доницетти (Парижская национальная опера).

Работает в драматическом театре. Среди многочисленных спектаклей: «Веер» К. Гольдони и «Ревизор» Н. Гоголя в Театро Стабиле дель Венето, «Божественные слова» («Divinas palabras») Р.М. дель Валье-Инклана и «Трехгрошовая опера» Б. Брехта и К. Вайля в театре Пикколло (Милан).

Невозможно не вспомнить его постановку «Путешествие в Реймс» в Большом театре, в которой Дамиано абсолютно блестяще перенес действие спектакля в арт-галерею и в картину.

Фильм-опера “Джанни Скикки”, Пуччини, 2021

Источники:
Bolshoi
Kommersant
Kommersant
Kulture
Mariinsky
Theathrehd